La música se clasifica dentro de tres categorías generales que son:
1. La Música Clásica, Música culta, o Música de Arte
2. La Música Popular, y
3. La Música Folklórica.
Música Clásica:
La música clásica, o música de arte, es una forma de expresión artística elevada al grado mas alto de perfeccionamiento creativo e interpretativo. La música de arte pertenece a las grandes salas de concierto y se desplaza dentro de un contexto intelectual en donde comparten artistas de gran reconocimiento internacional, tanto en el mundo de la ópera, como en la canción de arte, la música instrumental solista, la música de cámara, la música sinfónica, la dirección de orquesta, y sobre todo, en la composición.
Fuera de la sala de concierto, la música clásica se presenta en la radio cultural o educativa, la televisión, el cine, y en videos comerciales y culturales. La exposición musical de conciertos de música de arte generalmente cubre compositores de los periodos históricos del siglo 17 al siglo 19, interpretándose mayormente la música de los grandes compositores europeos. La música del siglo 20 de compositores europeos, compositores internacionales es relegada a un segundo o tercer lugar; rara vez incluyendo compositores puertorriqueños, caribeños, o latinomericanos en salas de concierto. Tal vez esta mala práctica se deba a que los gobiernos, la empresa privada, y las instituciones educativas no incluyen dentro de sus currículos y su presupuesto cultural, el fomento y educación de la cultura musical clásica a nivel popular.
La herencia y el cultivo de la música clásica europea en toda América y en el Caribe se hace sentir en la presencia de géneros como el oratorio, la ópera, la sinfonía, la sonata, la fuga, la invención, la canción de arte, que en términos generales representan la música de concierto de diferentes estilos y periodos históricos. Estos géneros están asociados con instrumentos y conjuntos musicales vocales e instrumentales en los géneros de música de cámara reservadas para pequeñas salas y grupos de concierto de pocos músicos, o géneros sinfónicos reservados para grandes salas de conciertos y grandes agrupaciones corales instrumentales como lo es la orquesta sinfónica. La ópera por ejemplo, agrupa la mayor cantidad de participantes ya que incluye cantantes solistas, coros, a veces ballet, y orquesta sinfónica. La ópera es sin duda un gran evento que convierte el concierto, junto al director y los solistas, en uno de los grandes eventos del arte clásico de concierto. Pero otros eventos concertantes que atraen mucho autditorios ya que participan muchos intépretes, son los géneros como el ballet, la zarzuela, las cantatas, los oratorios, eventos musicales tipo broadway (musicals), y la música sinfónica o música de géneros exclusivamente para orquesta. Sin embargo hay auditorios que prefieren la sobriedad del concierto de cámara, los solistas, y las obras para solistas y conjuntos pequeños como son las sonatas, partitas, las invenciones y fugas, entre otros géneros de música de cámara.
Función social, artística y cultural de la música:
La función social predominantede la música clásica, como ya mencionaramos, es el cultivo de la música como expresión artística, expresión cultural, y la máxima expresión musical intelectual de la sala de concierto es la interpretación de las obras de arte. Las figuras dominantes de este escenario artístico son, el compositor; y luego el intérprete. El intérprete se especializa en exponer las obras de los grandes compositores. Y la ocasión especial, o el evento por excelencia par su gran exposición artística es el concierto. Dependiendo de la cantidad de intérpretes en un concierto, la música se clasifica como sinfónica, que es la música compuesta para gran orquesta, o música de cámara, que implica la participación de solista o un grupo pequeño de intérpretes. El director se considera junto a los demás ejecutantes como el intérprete principal de la o las obras de arte a presentar. Desde el punto de vista de categorías de intérpretes existe el concertista, quien se especializa en tocar obras de solistas, u obras especializada para conjuntos de cámara, o en obras de gran jerarquía artística como son los conciertos para instrumentos solistas y orquesta sinfónica; o en el caso particular de los cantantes, las óperas.
La música clásica o música de arte, incluye obras instrumentales o vocales en los géneros de música de cámara, o sinfónicos. La ópera por ejemplo, agrupa la mayor cantidad de participantes ya que incluye cantantes solistas, coros, a veces ballet, y orquesta sinfónica. La ópera es sin duda un gran evento que convierte el concierto, junto al director y los solistas, en uno de los grandes eventos del arte clásico de concierto. Pero otros eventos concertantes que atraen mucho autditorios ya que participan muchos intépretes, son los géneros como el ballet, la zarzuela, las cantatas, los oratorios, eventos musicales tipo broadway (musicals), y la música sinfónica o música de géneros exclusivamente para orquesta. Sin embargo hay auditorios que prefieren la sobriedad del concierto de cámara, los solistas, y las obras para solistas y conjuntos pequeños como son las sonatas, partitas, las invenciones y fugas, entre otros géneros de música de cámara. (Véase los instrumentos musicales.)
El estudio de la música clásica y su tradición escrita:
Se distingue la música clásica por su tradición escrita. Es debido a la tradición escrita que se conservan las grandes obras de maestros como Juan Sebastián Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, y Ludwig Van Beethoven entre muchísimos mas compositores que han sabido con su genio establecer grandes escuelas de composición. Gracias a los grandes volúmenes de obras acumuladas en diferentes bibliotecas musicales del mundo, grandes centros de enseñanza como son los conservatorios, escuelas de música, y universidades, han podido desarrollar currículos musicales para estudiar la ciencia y arte de la composición musical de los grandes maestros.
El estudio de la música de los grandes maestros incluye desde la lectura musical denominada solfeo. El solfeo envuelve el dominio de la lectura entonada o cantada con la voz y/o un instrumento musical, en combinación con la lectura rítmica que se encuentran en la composición de melodías. El músico especialmente el compositor, deberá estudiar como parte de su disciplina artística el contrapunto o arte de crear dos o mas melódías, la armonía o ciencia y arte del acompañamiento musical, las formas y géneros musiclaes, y la instrumentación y orquestación que le permite al arreglista y al compositor preparar la obra para ser interpretada por cualquier conjunto musical. Un buen músico deberá conocer y analisar las obras de sus antecessores así como la música de su entorno inmediato, por lo tanto deberá entrenarse en historia de la música, musicología, etnomusicología, y en la teoría y el análisis de la música clásica, popular, y folklórica.
Otro aspecto importante del estudio de la música clásica es el arte de la interpretación. La tradición de la interpretación intrumental y vocal ha desarrollado escuelas y conservatorios especializados en el difícil y sacrificado mundo de la interpretación, vocal, intrumental, o la dirección de orquestas y conjuntos musicales.
El arte musical de la composición y de la interpretación exige además buenas instrumentos musicales para exponer el arte sonoro. Por lo tanto, los instrumentos musicales constituyen uno de los valores estéticos y acústicos que se requieren para una buena exposición artística instrumental. De la tradición clásica heredamos los grandes conjuntos europeos como la orquesta sinfónica, y géneros de conciertos para solista y orquesta que incluyen conciertos para piano y orquesta, conciertos para guitarra clásica y orquesta, o conciertos para cualquier instrumento y orquesta, además de la ópera, y la zarzuela. Hay zarzuelas que incluyen en su plataforma de instrumentos sinfónico, rondallas con mandolinas, laúdes, y guitarras, etc. Pero los instrumentos representativos de esta tradición clásica son violines, violas, violoncellos, contrabajos, arpas, flautas, oboes, fagotes, trompetas, trombones, trompas, tubas, tímpanos, redoblantes, organos, clavecines, pianos, la guitarra clásica, la mandolina, y otros que poco a poco se han ido infiltrando en este mundo de ascendencia europea. (Véase los instrumentos musicales.)
Durante los periodos anteriores al Siglo 20, la música clásica estaba auspiciada por la iglesia y por la corte. Su tradición escrita hizo que la música se expandiera por todos los países europeo convirtiéndose en una de las artes preferidas en el mundo cortesano de la aristocracia, disciplina que todo intelectual debía cultivar como parte de su formación integral . La música clásica estaba asociada al mundo cortesano, o a las clases sociales privilegiadas que podían pagar un tutor o maestro de música. Luego de la Revolución Francesa es que el estudio de la música gradualmente se va haciendo mas accesible a las clases menos privilegiadas. Gracias a las bandas militares y municipales muchos músicos pertenecientes a la clase obrera logran una mediana educación musical.
En Puerto Ricoa partir del 1950 se crearon las escuelas libres
de música, y se crea el Conservatorio y otros centros de enseñanza
musical escasamente accesibles para las zonas distantes de la capital.
En los albores del Siglo 21, todavía la música no se estudia
como parte la formación integral del ciudadano común.
Por razones de negligencia educativa nuestras instituciones no proveen
la educación que se necesita para poder desarrollar
un auditorio amante de esta disciplina , y que pueda asistir a los conciertos
para apreciar y respaldar el talento de nuestros músicos compositores
e intérpretes que a duras penas han logrado formarse y desarrollar
su talento con gran sacrificio.
Durante los periodos anteriores al Siglo 20, la música clásica estaba auspiciada por la iglesia y por la corte. Su tradición escrita hizo que la música se expandiera por todos los países europeo convirtiéndose en una de las artes preferidas en el mundo cortesano de la aristocracia, disciplina que todo intelectual debía cultivar como parte de su formación integral . La música clásica estaba asociada al mundo cortesano, o a las clases sociales privilegiadas que podían pagar un tutor o maestro de música. Luego de la Revolución Francesa es que el estudio de la música gradualmente se va haciendo mas accesible a las clases menos privilegiadas. Gracias a las bandas militares y municipales muchos músicos pertenecientes a la clase obrera logran una mediana educación musical.
En Puerto Rico a partir del 1950 se crearon las escuelas libres de música, y se crea el Conservatorio y otros centros de enseñanza musical escasamente accesibles para las zonas distantes de la capital. En los albores del Siglo 21, todavía la música no se estudia como parte la formación integral del ciudadano común. Por razones de negligencia educativa nuestras instituciones no proveen la educación que se necesita para poder desarrollar un auditorio amante de esta disciplina que pueda asistir a los conciertos para apreciar y respaldar el talento de nuestros músicos compositores e intérpretes que a duras penas han logrado formarse y desarrollar su talento con gran sacrificio.
Lenguajes y estilos musicales:
La música clásica o de arte se divide en diferentes categorías de lenguajes o sistemas musicales: Estos son : el sistema músical tonal, la música impresionista, y la música atonal. Estas tres categorías musicales producen diferentes géneros y estilos musicales que definen diferentes formas de expresiones musicales influenciando sus características lingüísticas divididas en tres elementos sonoros definidos como lenguaje melódico, lenguaje armónico, y lenguaje ritmico. Estos tres elementos del lenguaje musical utilizado en una época dada, define el estilo musical de la obra que se escucha. Por ejemplo, una melodía, que es meramente una sucesión de sonidos a diferente altura, adquiere características especiales conforme a la escala que utiliza, o al diseño armónico que la acompaña, sumados estos elementos al lenguaje rítmico. Cada uno de estos elementos linguísticos poseen elementos culturales distintivos de cada pueblo, región, pasís, o etnia, relacionado con los diferentes grupos culturales del mundo.
La música tonal comprende diferentes estilos musicales como el barroco, rococó, clásico, romántico, y romántico nacionalista. Los estilos tonales pertenecen a un sistema sonoro o lenguaje musical consonante basados en escalas mayores y menores, sistema que domina desde el Siglo 17 a fines del Siglo 19. De este sistema consonante se deriva un sistema armónico de acompañamiento basado en secuencias de triadas o acordes, que se van desarrollando en armonías complejas influyendo directamenta la música popular y la música folklórica. Estas armonías que dependen de estudios técnicos especializados son las que basicamente definen los estilos musicales de cada época e inclusive definen elementos culturales de las regiones europeas y las combinaciones armónicas que se desarrollan en los continentes americanos y sus regiones caribeñas.
La música impresionista es un lenguaje híbrido que busca romper con las reglas estéticas del lenguaje tonal jugando con bitonalidades, tritonalidades, y escalas de otras culturas distintas al mundo clásico europeo, especialmente las escalas asiáticas pentáfonas comunes a las escalas indoamericanas, las escalas hexáfonas de tonos completos, y escalas híbridas mayores-menores, o menores-mayores, etc.
Siendo la música una combinación de sonidos sujetos al análisis sonoro y matemático de un estilos o sistema musical, los estilos atonales resultan en la inversión matemática musical o matemática opuesta del sistema tonal. Es un sistema opuesto a la consonancia, es un lenguaje musical duro, aspero, fuerte, en el cual la disonancia se convierte en el centro o foco principal del lenguaje. El atonalismo representa un lenguaje musical lleno de tensiones. Puede decirse que representa el lado obscuro del ser humano, un mundo lleno de emociones surrealistas que expresan de lo que somos capaces los seres humanos cuando estamos sometidos a un terrible estrés cotidiano dentro de un estado bélico o trágico que amenaza continuamaente con destruirnos o fragmentarnos en pedazos. La música atonal se va desarrollando dentro del marco histórico de la primera (1917) y segunda guerra mundial (1939), logrando su máxima expresión artística durante el periodo de la segunda guerra mundial. Es dentro de este contexto socio-cultural de continua amenaza de la muerte física y espiritual del hombre, que mejor se entiende el atonalismo, conocido como expresionismo o surrealismo musical.
La música clásica como lenguaje internacional:
En términos generales, aunque la música clásica pertenece al mundo culto, produce una especie de folklore musical clásico internacional que trasciende las fronteras culturales y lingüísticas de las naciones del mundo. En otras palabras, existe un folklore musical clásico que el publo tararea, aunque no sepa su autor u origen de la música. En este folklore musical clásico pertenecen selecciones musicales como las marchas nupciales de Wagner y de Mendelssohn, la marcha fúnebre de Chopin, la famosa 'donna e mobile' dela ópera Rigoleto de Verdi, el 'Für Elise de Beethoven, la 'danza húngara', de Brahms, el 'Eine kleine nacht musik de Mozart, la habanera de la ópera Carmen de Bizet, así como muchos segmentos musicales y géneros musicales internacionales que gracias a la tecnología digital contemporánea sustituyen el timbre de un teléfono celular, o escuchamos en 'jingles comerciales'.
Dependiendo de la época, era la iglesia o el estado las
instituciones que auspiciaban la composición de obras para
los eventos de concierto. En la época barroca la iglesia
servía de mesenas y era responsable de la contratación y
empleo de músicos y compositores; mientras que en la época
clásica, fue la corte quien asumió esta responsabilidad.
El concierto podía ser parte del ritual religioso o el oficio religioso,
o meramente una actividad artística cortesana. Aún
siendo parte del ritual religioso, la música se consideraba como
la máxima exposición artística cultural que representaba
al estado. La educación o formación de los músicos
era parte de la tradición, así como los instrumentos que
se seleccionaban para tal representación oficial musical del estado.
A partir del románticismo se fue perdiendo esta tradición
de auspicio al arte de la composición por parte de la iglesia o
el estado. En Puerto Rico el auspicio de la música clásica,
o música de arte ha recaído en instituciones creadas por
el estado como el Instituto de Cultura, o la Corporación de la Artes
Musicales. Sin embargo, ni el gobierno, ni estas instituciones creadas
por el gobierno, le prestan atención a este importante auspicio
cultural. La administración de las artes ha ido perdiendo
el interés de representación oficial del gobierno y de la
iglesia, que prefieren explotar las artes musicales del viejo mundo europeo,
y auspiciar los músicos que interpretan la vieja música que
una vez fue símbolo cultural de estos países. No existe
ya el viejo compromiso de este auspicio al no haber un compromiso de auspicio
nacional del arte por razones extrictamente polítcas. Por razones
políticas, las artes que antes representaban la alta oficialidad
del estado, y por ende su nacionalismo, se fueron excluyendo de este auspicio
gubernamental por temor a desarrollar un nacionalismo que a la vez resultaría
enemigo de lo colonial. En Puerto Rico se traduce lo colonial en
dólares, y lo nacional en enemigo de quien provée esos dólares.
No auspiciar las artes nacionales es la solución perfecta para poder
colonizar o evitar conflictos políticos. Lo trágico
de esta situación es que los compositores y músicos no pueden
economicamente auspiciarse ellos mismos por no contar con los recursos
económicos para hacerlo. La moraleja es que al no haber auspicio
suficiente para las artes, no habrá suficiente repertorio representativo
de esta época historica en el futuro y por lo tanto no existirá
practicamente un repertorio significativo de música clásica
puertorriqueña. (Véase música clásica puertorriqueña
o música de arte)
RESUMEN DE LOS ESTILOS MUSICALES:
En orden cronológico los estilos tonales que mas se aprecian en los conciertos son: el barroco, rococó (conocido como el periodo galante), clásico, romántico, y romántico nacionalista. Los estilos atonales pertenencen al modernismo y aunque el tonalismo no se abandone, imperan en el comienzo del Siglo XX el impresionismo (que es un estilo de transición hacia el atonalismo, el neoclasicismo, el estilo dadá, el atonalismo dodecafónico y el serialismo que se definen como música expresionista. Luego encontramos estilos como la música concreta y el desarrollo de la la música electroacústica, la música del azahar o de la improvisación denominada música aleatoria, el microtonalismo, el neo-nacionalismo, el neo-dadaísmo, el minimalismo, la tercera corriente (third stream) que mezcla elementos de la música de concierto clásico con el jazz, entre otras nuevas tendencias (Véase la composición musical en Puerto Rico).
[REGRESAR AL INDICE]
ESTILO BARROCO Y ROCOCO:
El estilo barroco es rico en adornos como trinos, mordentes, melismas, grupetos, juegos de melodías en contrapuntos imitativos, contrapunto libre, lleno de ritmos antifonales y responsoriales, recitativos, y fugatos. En el barroco, aunque hay de todo, se distingue por la abundancia de géneros y recursos contrapuntísticos imitativos como la fuga las invenciones, las sinfonietas, y los canones. La riqueza musical barroca de todos estos elementos se puede apreciar en las grandes formas de las obras como los oratorios y las óperas. En estas obras se alternan recitativos, arias, corales, fugatos y otros juegos contrapuntísticos, asía como responsos y antífonas. Los compositores líderes del estilo barrocos, en orden de importancia son: Juan Sebastián Bach (1685-1750), Jorge Federíco Hándel (1685-1759), y Antonio Vivaldi (1678-1741). Su catálogo de composiciones es enorme. Entre algunas de sus obras famosas están: Bach: Los Conciertos de Brandenburgo, 48 Preludios y Fugas, Invenciones; Hándel: El Oratorio 'El Mesías'; Vivalvdi: Las Estaciones.
Le sigue al al barroco, el rococó, también conocido como el estilo galante o estilo de transición que muchos consideran dentro del estilo barroco. (1725-1775). Entre los compositores representantes de este estilo transitorio están: François Couperin (1668-1773, George Philipp Telemann (1681-1767), Domenico Scarlatti (1685-1757), Carlos Felipe Emanuel Bach (1714-1778).
La música del estilo clásico se extiende aproximadamente del 1770 al 1830. El estilo clásico ya exhibe géneros y característica muy distintas a la barroca. Entre sus géneros mas importantes están la sonata, la sinfonía, y la ópera. Domina como estructura principal la forma sonata allegro, luego el tema con variaciones, la forma minueto, y las formas ternarias. El estilo clásico se caracteriza por los juegos dinámicos de sonoridades como el piano, mezzo piano, mezzo fuerte, el fortissimo, el crescendo, crescendo subito, diminuendo. El piano (gravicembalo piano e forte), es el instrumento característico de esta época. Fue inventado por Bartolomeo Cristofori para sustituir el clavecín. Para el piano se componen gran cantidad de sonatas y conciertos para piano y orquesta. La orquesta clásica ya es mas amplia que la orquesta barroca y surgen la sinfonía, género instrumental representativo de esta época. El compositor mas sobresaliente de este estilo es Wolfgan Amadeus Mozart (1756-1791). Son sumamente importantes FranzJoseph Haydn (1732-1809), y la primera época de Ludvig Van Beethoven (1770-1827). Las obras de estos compositores son abundantes y de extraordinaria calidad, especialmente las sonatas para piano, las sinfonías, y la música de cámara, incluyendo sus cuartetos de cuerdas. Aparte de este grandioso repertorio pueden empezar con la Sinfonía Num. 40 de Mozart, La Flauta Mágica y Don Giovanni, operas; La Sinfonía "La Sorpresa de Haydn"; las sinfonías 1-4, de Beethoven y sus sonatas Claro de Luna, y Appassionata.
ESTILO ROMANTICO Y ROMANTICO NACIONALISTA:
La música del estilo romántico domina durante el siglo XIX y para el 1850, debido a los cambios socio-políticos culturales ocasionados por la Revoluución Francesa, es bautizado como movimiento romántico nacionalista en Rusia extendiéndose por toda europa. Las características fundamentales de este movimiento musical son la fuerza expresiva de la emoción humana que se pone de relieve para expresar con música sentimientos derivados de la poesía, la naturaleza, y el drama del amor. El romanticismo crece y se desarrolla dentro de la Revolución Francesa y los cambios musicales que surgen de este movimientos son consecuencia directa del nuevo orden social que impone la revolución para derrocar el viejo orden monárquico. El nuevo orden establece una nueva hegemoníca socio-política que establece como filosofía que todos los seres humanos somos iguales. De esta filosofía emerge el hombre común como ente representativo socio cultural de las naciones europeas. La sociedad cortesana queda relegada en un segundo plano y el símbolo de sencillez del hombre común campesino se convierte en estandarte representativo de los movimientos políticos e intelectuales del movimiento romántico. Hay todo un renacer por la cultura popular y la base de esta cultura yace en el lore campesino. Es este lore quien va representar con sus leyendas, poesáis, mitos, y sus danzas el orgullo nacional de los pueblos europeos. Europa se lanza al rescate de sus danzas nacionales, danzas que van a servir como simbolo de identidad de los pueblos europeos. Es de este romance cultural que emerje en 1842 el término folklore, creado en 1842 por William John Thoms, para definir las recien descubiertas culturas campesinas. Los ingleses popularizan sus danzas campesina (country dances) y toda europa se lanza al rescate de sus danzas para de esa manera realzar su orgullo nacional como nueva definición cultural de los pueblos europeos.
De este movimiento emergen como compositores importantes Beethoven que
en su Sinfonía Pastoral manifiesta ese romance con lo pastoril,
los campesinos, utilizando la contradanza en uno de sus movimientos de
esta sinfonía. Hay todo un paisajismo descriptivo en la música
de esta Sinfonía Pastoral. La música de esta obra constituye
la descripción beethoveniana de una expresión
de amor por el campo, lo pastoril, en armonía con el nuevo símbolo
social europeo de este tiempo: el campesino. Es el campesino puertorriqueño
quien inspira además a Manuel Alonso, costumbrista puertorriqueño,
a escribir El Gibaro, obra puertorriqueña representativa de este
movimiento. Frederick Chopin, inluenciado por este movimiento compone
mazurkas, polonesas, y valses para adestacar su amor por su pueblo polaco.
Brahms, también influenciado por el movimiento compone sus danzas
húngaras. Danzas, contradanzas, mazurkas, polkas constituyen
la base de la definición musical y culutral de los pueblos.
El interés por lo nacional como definición culutral se importa
a América. Puerto Rico también tiene sus danzas nacionales
que se ponen de moda. Alonso las define como Bailes de Garabato, bailes
jíbaros, y Bailes de Sociedad. Como parte de este romance
nacional, es que emerge La Borinqueña como danza representativa
de identidad nacional puertorriqueña. Al descubrirla como
sentimiento definitorio de lo nacional, Lola Rodríguez de Tió
le cambia sus versos románticos, por unos versos bélicos
románticos nacionalista para convertirla en himno revolucionario
y acomodar así la revolución de Lares a los movimientos liberacionistas
revolucionarios del Siglo XIX. Luego siguen los compositores puertorriqueños
danzistas como Juan Morel Campos, Manuel G Tavárez, y José
Quintón, y los compositores seguidores de este trío,
quienes nos van a dejar un legado histórico de obras representativas
de este movimiento romanticismo-nacionalista puertorriqueño.
Luego sigue el impresionismo representado por dos grandes genios franceses que son Claude Debussy y Maurice Ravel. Aunque ambos desarrollan un nuevo lenguaje musical, el toque del espíritu romántico nacionalista queda como fuerte influencia fuertemente marcada por esta época romántica nacionalista de la cual no nos vamos a poder desprender por mucho tiempo. El impresionismo se caracteriza sin embargo por el rompimiento con el sistema tonal, sus escalas y su disciplina armónica y contrapuntística. La nueva ciencia explora escalas distintas como la pentáfona, y crea hibridismos de escalas, bitonalismos, coqutea con el hexafonismo, y hasta utiliza elementos armónicos tritonales. Con el impresionismo se abre la puerta para una nueva experimentación armónica de donde surge el jazz. De la armonía derivada de la escalas pentáfonas surge la armonía quintal y sus inversiones derivadas en armonía cuartal. El impresionismo gradualmente rompe con las reglas convencionales de la armonía vieja tonal clásica. Sus nuevas armonías bitonales producen una especie de éxtasis, un estado de ensoñación exquisita, y otros recursos armónicos que encantan y estimulan un mundo nuevo de fantasías post románticas, viajando a otros mundos musicales y culturales distintos a los europeos. Shéhérazade de Maurice Ravel (1875-1937) es un ejemplo de esta nueva experimentación armónica. Claude Debussy es otro genio de este nuevo estilo (1862-1918). Sus obras La mer, Prelude à L'après-midi d'un faune, y Images son obras extraordinarias y que todos estudiante debe explorar.
El modernismo: El atonalismo y la música contemporánea:
El impresionismo produce una apertura para el modernismo del Siglo 20 con nuevas y mas atrevidas tendencias sonoras. Hay como especie de búsquedas de nuevos lenguajes musicales. En ocasiones las nuevas tendencias acusan un caos expresivo y depresivo en todos los órdenes. La Revolución Francesa practicamente ha dejado turuleto a medio mundo que comienza a organizarse bajo nuevas tendencias sociales en guerra con las viejas tendencias aristocráticas y cortezanas. Dentro de esta ruptura con lo cortesano y el surgimiento de un nuevo orden social popular, nos sorprenden dos guerras mundiales en 1917 y luego en 1939 para abonar al caos que crea la nueva estructuración del nuevo orden social creado por la Revolución Francesa. Ya para la segunda guerra mundial las depresiones sociales, el miedo a la muerte, a los bombardeos, los black outs, crean días grises, y noches tensas. El atonalismo musical dodecafónico y serialista es la mejor respuesta emotiva para expresar el mundo caótico y depresivo a nivel mundial. En un lenguaje surealista, este estilo denominado expresionista le pone los pelos de punta a cualquiera, de manera que nadie puede resistir la fuerza gris de esta música que surge del mundo obscuro del hombre. Los compositores de esta época invierten la matemática expresiva anterior y hacen negras maravillas con la nueva música del Siglo 20 para dramatizar el caos destructivo interno del hombre que amenaza con destruirse el mismo y a todas las sociedades en su afán de aplastar al contrario para conseguir su máximo objetivo: el poder político a nivel mundial. Bela Bartok, Paul Hindemith, Igor Stravinsky (1882-1971), Arnold Schoenberg (1874-1951), Anton Webern (1883-1945) son compositores representativos de esta época gris. Richard Strauss (1864-1949, grandioso, poderoso en su estilo, parece un oasis musical en este desierto de desolación espiritual.
Todo este cuadro caótico comienza a declinar después de
la bomba a Hiroshima. Ya para los años cincuenta (1950) comienza
de nuevo otro ciclo que trata de rehacer todo los fragmentos dejados por
las dos guerras mundiales. Todo ese mundo roto en pedazos se
trata de reconstruir en estilos de música fragmentada. Del
arte fragmentado va surgiendo el collage tratando de organizar logica
y musicalmente la fragmentación y el desorden recogido
del cuadro caótico que nos legó la primera mitad del Siglo
20, periodo conocido como el dadaísmo a partir del 1915.
Luego de la guerra del 1939 ya las nuevas tendencias de un mundo musical
en los años del 1950 tratan de crear un arte nuevo o de neo expresiones
compuestas de elementos viejos y clásicos con nuevas experimentaciones
sonoras. Los años del 1960 crean una moda o estilo nuevo de buscar
lo neo traducido en vanguardismo. Para muchos el vanguardismo es
mera experimentación artificial cuya razón de ser es el desorden
mismo, el sonido raro, la falta de lógica, y un idioma carente de
mensaje. Surge así un neo-dadaísmo como negación
de la emoción de la música que amenaza la razón
misma de la música como arte y ciencia de la emoción.
La experimentación sonora se mezcla con la nueva tecnología
electroacústica. Se desarrolla dentro de este segundo caos de búsqueda
de un lenguaje conciertos de meros sonidos grabados y procesados cientificamente.
Dentro de ese "se busca un idioma musical" el ridículo se yergue
como el arte de expresar gestos y sonoridades como nuevo idioma artificial
de la música. En los tropiezos hacia una nueva expresión
de modernismo musical artístico muchos compositores confunde la
razón y la lógica expresiva y estética de la música
con la moda de la experimentación. Se experimenta con la casualidad,
con lo que salga, con disonancia, y se imitan los nuevos sonidos electroacústicos,
y sonidos grabados y procesados tecnologicamente. De ese caos
surgen 'serios' devotos del caos y 'serios' charlatanes del caos que hacen
una 'escuela vanguardista contemporanea' que asusta a los nuevos talentos
y los amenaza con lo que tienen que ser y hacer para poder clasificarse
como nuevos compositores. Jamás el mundo intelectual musical
tuvo tantos detractores. Todavía en los albores del Siglo
21 contamos con la herencia del mundo de las post guerra que dejó
un ambiente para una cosecha de compositores con falta de creatividad
y genio. El reto del Siglo 21 es la reconstrucción de los
fragmentos dejado por la herencia nefasta del expresionismo y la artificial
creatificad de un vanguardismo que sí nos dejó un nuevo lenguaje
matematicamente definido: El lenguaje del caos; y el lenguaje del
mal, y el lenguaje de la frivolidad. Ese lenguaje del caos nos sirve
para expresar lo mas horrendo del ser humano: La destrucción
del ser y lo que nos rodea, la destrucción del alma, y la destrucción
de la sensibilidad humana. Ese lenguaje caótico, frívolo,
frío, carente de emoción y sensibilidad es parte del
libreto que bien orquestado servirá para reconstruir la amarga herencia
de injusticias y sabor amargo que sirve de reto al nuevo hombre y la nuevas
civilizaciones emergentes en el Nuevo Siglo 21.y que deberán expresarse
en el lenguaje de las emociones: La música del Siglo 21.
(Véase música clásica puertorriqueña o música
de arte).
| Para mas información, comuníquese con: |